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TÃtulo : Chinese Ibsenism : Reinventions of Women, Class and Nation Tipo de documento: documento electrónico Autores: Tam, Kwok-kan, Mención de edición: 1 ed. Editorial: Singapore [Malasia] : Springer Fecha de publicación: 2019 Número de páginas: XI, 298 p. 27 ilustraciones, 12 ilustraciones en color. ISBN/ISSN/DL: 978-981-1363030-- Nota general: Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos. Idioma : Inglés (eng) Palabras clave: Teatro Sexo Cultura Literatura Moderna Teatro Aplicado Estudios de género SociologÃa de la cultura Literatura del siglo XX Clasificación: 792 Resumen: Este libro es un estudio de la relación entre el arte teatral y la ideologÃa en las experimentaciones chinas con una nueva identidad como resultado del impacto de Ibsen. También explora las nociones ibsenianas sobre uno mismo, las mujeres y el género en China y proporciona un estudio esclarecedor del teatro chino como esfera pública en la difusión de ideas radicales. Ibsen es la principal fuente de la personalidad china moderna, que conlleva nociones de liberación personal y social y ha ejercido un gran impacto en las revoluciones chinas desde principios del siglo XX. La idea de Ibsen del yo como individuo ha llevado a diversas experimentaciones en el teatro, el cine y la ficción para proyectar nuevas nociones de la identidad individual, en particular de la identidad femenina, a lo largo de la historia de la China moderna. Incluso hoy, China está experimentando con las nociones de género, poder, individualismo y yo de Ibsen. Kwok-kan Tam es catedrático de inglés y decano de Humanidades y Ciencias Sociales en la Universidad Hang Seng de Hong Kong. Fue Director (2012-18) y actualmente es miembro del Comité Internacional Ibsen de la Universidad de Oslo. Es miembro de la Fundación de la Academia de Humanidades de Hong Kong. Ha ocupado cargos docentes, de investigación y administrativos en diversas instituciones, incluido el East-West Center, la Universidad China de Hong Kong y la Universidad Abierta de Hong Kong. Ha publicado numerosos libros y artÃculos sobre Ibsen, Gao Xingjian, el drama moderno, el cine chino, la literatura poscolonial y los ingleses del mundo. Sus libros recientes incluyen Ibsen, Power and the Self: Postsocialist Experimentations in Stage Performance and Film (2019), The Englishized Subject: Postcolonial Writings in Hong Kong, Singapore and Malaysia (2019), y un volumen coeditado Fate and Prognostication in the Imaginación literaria china (2019). Nota de contenido: Chapter 1 Introduction: Ibsenism and Reinventions of Chinese Culture -- Chapter 2 Modern Chinese Theatre as Public Sphere -- Chapter 3 Iconoclasm in Chinese Ibsenism -- Chapter 4 Divided Ibsenism in Divided China -- Chapter 5 Translation and the Dissemination of Ibsenism -- Chapter 6 Ibsenism as Individualism of the Self -- Chapter 7 Noraism and Class Ideology in Modern Chinese Fiction -- Chapter 8 Women and Gender in Modern Chinese Drama -- Chapter 9 Postsocialist Ibsenism Beyond Class Ideology -- Chapter 10 Reinventions of Women and Nation in Ibsen Performances -- Chapter 11 Ibsenism and Ideology in Chinese Playwriting -- Chapter 12 Conclusion: Chinese Ibsenism in the Politics of Global Literary Reception -- Chapter 13 Appendix 1: Chinese Translations and Rewritings of Ibsen's Works -- Chapter 14 Appendix 2: Chinese Stage and Film Productions of Ibsen's Plays -- Chapter 15 Bibliography. Tipo de medio : Computadora Summary : This book is a study of the relation between theatre art and ideology in the Chinese experimentations with new selfhood as a result of Ibsen's impact. It also explores Ibsenian notions of self, women and gender in China and provides an illuminating study of Chinese theatre as a public sphere in the dissemination of radical ideas. Ibsen is the major source of modern Chinese selfhood which carries notions of personal and social liberation and has exerted great impacts on Chinese revolutions since the beginning of the twentieth century. Ibsen's idea of the self as an individual has led to various experimentations in theatre, film and fiction to project new notions of selfhood, in particular women's selfhood, throughout the history of modern China. Even today, China is experimenting with Ibsen's notions of gender, power, individualism and self. Kwok-kan Tam is Chair Professor of English and Dean of Humanities and Social Science at the Hang Seng University ofHong Kong. He was Head (2012-18) and is currently a member of the International Ibsen Committee, University of Oslo. He is a Foundation Fellow of the Hong Kong Academy of the Humanities. He has held teaching, research and administrative positions in various institutions, including the East-West Center, the Chinese University of Hong Kong and the Open University of Hong Kong. He has published numerous books and articles on Ibsen, Gao Xingjian, modern drama, Chinese film, postcolonial literature, and world Englishes. His recent books include Ibsen, Power and the Self: Postsocialist Experimentations in Stage Performance and Film (2019), The Englishized Subject: Postcolonial Writings in Hong Kong, Singapore and Malaysia (2019), and a co-edited volume Fate and Prognostication in the Chinese Literary Imagination (2019). Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...] Chinese Ibsenism : Reinventions of Women, Class and Nation [documento electrónico] / Tam, Kwok-kan, . - 1 ed. . - Singapore [Malasia] : Springer, 2019 . - XI, 298 p. 27 ilustraciones, 12 ilustraciones en color.
ISBN : 978-981-1363030--
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Idioma : Inglés (eng)
Palabras clave: Teatro Sexo Cultura Literatura Moderna Teatro Aplicado Estudios de género SociologÃa de la cultura Literatura del siglo XX Clasificación: 792 Resumen: Este libro es un estudio de la relación entre el arte teatral y la ideologÃa en las experimentaciones chinas con una nueva identidad como resultado del impacto de Ibsen. También explora las nociones ibsenianas sobre uno mismo, las mujeres y el género en China y proporciona un estudio esclarecedor del teatro chino como esfera pública en la difusión de ideas radicales. Ibsen es la principal fuente de la personalidad china moderna, que conlleva nociones de liberación personal y social y ha ejercido un gran impacto en las revoluciones chinas desde principios del siglo XX. La idea de Ibsen del yo como individuo ha llevado a diversas experimentaciones en el teatro, el cine y la ficción para proyectar nuevas nociones de la identidad individual, en particular de la identidad femenina, a lo largo de la historia de la China moderna. Incluso hoy, China está experimentando con las nociones de género, poder, individualismo y yo de Ibsen. Kwok-kan Tam es catedrático de inglés y decano de Humanidades y Ciencias Sociales en la Universidad Hang Seng de Hong Kong. Fue Director (2012-18) y actualmente es miembro del Comité Internacional Ibsen de la Universidad de Oslo. Es miembro de la Fundación de la Academia de Humanidades de Hong Kong. Ha ocupado cargos docentes, de investigación y administrativos en diversas instituciones, incluido el East-West Center, la Universidad China de Hong Kong y la Universidad Abierta de Hong Kong. Ha publicado numerosos libros y artÃculos sobre Ibsen, Gao Xingjian, el drama moderno, el cine chino, la literatura poscolonial y los ingleses del mundo. Sus libros recientes incluyen Ibsen, Power and the Self: Postsocialist Experimentations in Stage Performance and Film (2019), The Englishized Subject: Postcolonial Writings in Hong Kong, Singapore and Malaysia (2019), y un volumen coeditado Fate and Prognostication in the Imaginación literaria china (2019). Nota de contenido: Chapter 1 Introduction: Ibsenism and Reinventions of Chinese Culture -- Chapter 2 Modern Chinese Theatre as Public Sphere -- Chapter 3 Iconoclasm in Chinese Ibsenism -- Chapter 4 Divided Ibsenism in Divided China -- Chapter 5 Translation and the Dissemination of Ibsenism -- Chapter 6 Ibsenism as Individualism of the Self -- Chapter 7 Noraism and Class Ideology in Modern Chinese Fiction -- Chapter 8 Women and Gender in Modern Chinese Drama -- Chapter 9 Postsocialist Ibsenism Beyond Class Ideology -- Chapter 10 Reinventions of Women and Nation in Ibsen Performances -- Chapter 11 Ibsenism and Ideology in Chinese Playwriting -- Chapter 12 Conclusion: Chinese Ibsenism in the Politics of Global Literary Reception -- Chapter 13 Appendix 1: Chinese Translations and Rewritings of Ibsen's Works -- Chapter 14 Appendix 2: Chinese Stage and Film Productions of Ibsen's Plays -- Chapter 15 Bibliography. Tipo de medio : Computadora Summary : This book is a study of the relation between theatre art and ideology in the Chinese experimentations with new selfhood as a result of Ibsen's impact. It also explores Ibsenian notions of self, women and gender in China and provides an illuminating study of Chinese theatre as a public sphere in the dissemination of radical ideas. Ibsen is the major source of modern Chinese selfhood which carries notions of personal and social liberation and has exerted great impacts on Chinese revolutions since the beginning of the twentieth century. Ibsen's idea of the self as an individual has led to various experimentations in theatre, film and fiction to project new notions of selfhood, in particular women's selfhood, throughout the history of modern China. Even today, China is experimenting with Ibsen's notions of gender, power, individualism and self. Kwok-kan Tam is Chair Professor of English and Dean of Humanities and Social Science at the Hang Seng University ofHong Kong. He was Head (2012-18) and is currently a member of the International Ibsen Committee, University of Oslo. He is a Foundation Fellow of the Hong Kong Academy of the Humanities. He has held teaching, research and administrative positions in various institutions, including the East-West Center, the Chinese University of Hong Kong and the Open University of Hong Kong. He has published numerous books and articles on Ibsen, Gao Xingjian, modern drama, Chinese film, postcolonial literature, and world Englishes. His recent books include Ibsen, Power and the Self: Postsocialist Experimentations in Stage Performance and Film (2019), The Englishized Subject: Postcolonial Writings in Hong Kong, Singapore and Malaysia (2019), and a co-edited volume Fate and Prognostication in the Chinese Literary Imagination (2019). Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...]
TÃtulo : Contemporary Theatre Education and Creative Learning : A Great British Journey Tipo de documento: documento electrónico Autores: Crossley, Mark, Mención de edición: 1 ed. Editorial: [s.l.] : Springer Fecha de publicación: 2021 Número de páginas: XVI, 301 p. 15 ilustraciones en color. ISBN/ISSN/DL: 978-3-030-63738-5 Nota general: Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos. Idioma : Inglés (eng) Palabras clave: Las artes escénicas Actores Teatro Aplicado Teatro y performance contemporáneos Teatro y artes escénicas Artistas y practicantes Clasificación: 792 Resumen: Este libro analiza el estado de la educación teatral contemporánea en Gran Bretaña y se divide en dos partes. La primera mitad considera las identidades nacionales de cada una de las tres naciones continentales de Inglaterra, Escocia y Gales para comprender cómo estas identidades diferentes se reflejan y refractan a través de la cultura, la educación teatral y el aprendizaje creativo. La segunda mitad se ocupa de la educación teatral del siglo XXI, proponiendo una correlación más explÃcita entre el teatro contemporáneo y la educación teatral. Considera cómo la educación teatral en el paÃs ha llegado a su estado actual y por qué a menudo queda marginada en el discurso nacional. Se presta atención a algunos de los desarrollos más significativos en la educación teatral contemporánea en las tres naciones, reflexionando sobre cómo dicha práctica se basa en las concepciones de lugar y nación y ofrece un desafÃo a ellas. Basándose en las últimas investigaciones y pensamiento estratégico en la cultura y las artes, y proporcionando más de treinta entrevistas y estudios de casos de profesionales, este libro está impregnado de un análisis riguroso y detallado de la educación teatral, y está iluminado por las voces y perspectivas de profesionales del teatro innovadores. Mark Crossley es profesor asociado en la Universidad De Montfort (Reino Unido) y se especializa en educación en artes escénicas y práctica intermedia. Ha escrito y editado numerosos artÃculos de revistas y dos libros anteriores, Devising Theatre with Stan''s Cafe (2017) e Intermedial Theatre: Principios y práctica (2019). Actualmente forma parte del consejo editorial de la revista RiDE: Research in Drama Education. Nota de contenido: Chapter 1: Map reading: An Introduction -- Chapter 2: Landscapes: Nations, Politics and Theatre Education -- Chapter 3: Departures: Creative and Cultural Journeys across the Nations -- Chapter 4: En Route to a 21st Century Theatre Education -- Chapter 5: Border Crossings: 21st Century Theatre Education -- Chapter 6: On the Horizon -- Chapter 7: Practitioner Voices: Scotland, England and Wales. Tipo de medio : Computadora Summary : This book considers the state of contemporary theatre education in Great Britain is in two parts. The first half considers the national identities of each of the three mainland nations of England, Scotland, and Wales to understand how these differing identities are reflected and refracted through culture, theatre education and creative learning. The second half attends to 21st century theatre education, proposing a more explicit correlation between contemporary theatre and theatre education. It considers how theatre education in the country has arrived at its current state and why it is often marginalised in national discourse. Attention is given to some of the most significant developments in contemporary theatre education across the three nations, reflecting on how such practice is informed by and offers a challenge to conceptions of place and nation. Drawing upon the latest research and strategic thinking in culture and the arts, and providing over thirty interviews and practitioner case studies, this book is infused with a rigorous and detailed analysis of theatre education, and illuminated by the voices and perspectives of innovative theatre practitioners. Mark Crossley is an Associate Professor at De Montfort University, UK, specialising in performing arts education and intermedial practice. He has written and edited numerous journal articles and two previous books, Devising Theatre with Stan's Cafe (2017) and Intermedial Theatre: Principles and Practice (2019). He currently sits on the editorial board for the journal RiDE : Research in Drama Education. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...] Contemporary Theatre Education and Creative Learning : A Great British Journey [documento electrónico] / Crossley, Mark, . - 1 ed. . - [s.l.] : Springer, 2021 . - XVI, 301 p. 15 ilustraciones en color.
ISBN : 978-3-030-63738-5
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Idioma : Inglés (eng)
Palabras clave: Las artes escénicas Actores Teatro Aplicado Teatro y performance contemporáneos Teatro y artes escénicas Artistas y practicantes Clasificación: 792 Resumen: Este libro analiza el estado de la educación teatral contemporánea en Gran Bretaña y se divide en dos partes. La primera mitad considera las identidades nacionales de cada una de las tres naciones continentales de Inglaterra, Escocia y Gales para comprender cómo estas identidades diferentes se reflejan y refractan a través de la cultura, la educación teatral y el aprendizaje creativo. La segunda mitad se ocupa de la educación teatral del siglo XXI, proponiendo una correlación más explÃcita entre el teatro contemporáneo y la educación teatral. Considera cómo la educación teatral en el paÃs ha llegado a su estado actual y por qué a menudo queda marginada en el discurso nacional. Se presta atención a algunos de los desarrollos más significativos en la educación teatral contemporánea en las tres naciones, reflexionando sobre cómo dicha práctica se basa en las concepciones de lugar y nación y ofrece un desafÃo a ellas. Basándose en las últimas investigaciones y pensamiento estratégico en la cultura y las artes, y proporcionando más de treinta entrevistas y estudios de casos de profesionales, este libro está impregnado de un análisis riguroso y detallado de la educación teatral, y está iluminado por las voces y perspectivas de profesionales del teatro innovadores. Mark Crossley es profesor asociado en la Universidad De Montfort (Reino Unido) y se especializa en educación en artes escénicas y práctica intermedia. Ha escrito y editado numerosos artÃculos de revistas y dos libros anteriores, Devising Theatre with Stan''s Cafe (2017) e Intermedial Theatre: Principios y práctica (2019). Actualmente forma parte del consejo editorial de la revista RiDE: Research in Drama Education. Nota de contenido: Chapter 1: Map reading: An Introduction -- Chapter 2: Landscapes: Nations, Politics and Theatre Education -- Chapter 3: Departures: Creative and Cultural Journeys across the Nations -- Chapter 4: En Route to a 21st Century Theatre Education -- Chapter 5: Border Crossings: 21st Century Theatre Education -- Chapter 6: On the Horizon -- Chapter 7: Practitioner Voices: Scotland, England and Wales. Tipo de medio : Computadora Summary : This book considers the state of contemporary theatre education in Great Britain is in two parts. The first half considers the national identities of each of the three mainland nations of England, Scotland, and Wales to understand how these differing identities are reflected and refracted through culture, theatre education and creative learning. The second half attends to 21st century theatre education, proposing a more explicit correlation between contemporary theatre and theatre education. It considers how theatre education in the country has arrived at its current state and why it is often marginalised in national discourse. Attention is given to some of the most significant developments in contemporary theatre education across the three nations, reflecting on how such practice is informed by and offers a challenge to conceptions of place and nation. Drawing upon the latest research and strategic thinking in culture and the arts, and providing over thirty interviews and practitioner case studies, this book is infused with a rigorous and detailed analysis of theatre education, and illuminated by the voices and perspectives of innovative theatre practitioners. Mark Crossley is an Associate Professor at De Montfort University, UK, specialising in performing arts education and intermedial practice. He has written and edited numerous journal articles and two previous books, Devising Theatre with Stan's Cafe (2017) and Intermedial Theatre: Principles and Practice (2019). He currently sits on the editorial board for the journal RiDE : Research in Drama Education. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...]
TÃtulo : Immersive Embodiment : Theatres of Mislocalized Sensation Tipo de documento: documento electrónico Autores: Jarvis, Liam, Mención de edición: 1 ed. Editorial: [s.l.] : Springer Fecha de publicación: 2019 Número de páginas: XVII, 255 p. 30 ilustraciones ISBN/ISSN/DL: 978-3-030-27971-4 Nota general: Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos. Idioma : Inglés (eng) Palabras clave: Historia Artes escénicas Teatro Aplicado Teatro y performance contemporáneos Teatro y artes escénicas Clasificación: 792 Resumen: Este libro ofrece un examen amplio de los actos de ''encarnación virtual'' en contextos de actuación/juegos/aplicados que abstraen el sentido de identidad fÃsica de un inmersivo al instalar un cuerpo virtual, una parte del cuerpo o un avatar generado por computadora. Las prácticas ''inmersivas'' emergentes en un campo cada vez más amplio e interdisciplinario coinciden con una gran cantidad de nuevos conocimientos cientÃficos sobre la propiedad del cuerpo y la autoatribución. Una comprensión cada vez mayor de la forma en que un cuerpo construye su sentido de identidad se cruza con el deseo históricamente persistente de establecer un vÃnculo ontorelacional entre el cuerpo que "conoce" una experiencia y los cuerpos que no pueden conocer sin ocupar su punto de vista único. El autor sostiene que el deseo de empatizar con las inefables experiencias corporales de otra persona está encontrando una nueva expresión en contextos de particular urgencia. Por ejemplo, pacientes que desean comunicar sus complejas experiencias fÃsicas a sus redes extendidas de apoyo en atención médica, o comunidades que colocan a los formuladores de polÃticas ''dentro'' de cuerpos virtuales vulnerables, marginados o privados de derechos en un intento de impulsar un cambio personal. Este libro está dirigido a estudiantes, académicos e investigadores profesionales que estudian o trabajan en los campos relacionados del teatro/creación artÃstica inmersiva, las artes y las ciencias y la realidad virtual en prácticas escénicas aplicadas. Nota de contenido: Chapter 1: Introduction -- Chapter 2: Proto-immersive Discourse & the 'Theatrical Condition' -- Chapter 3: The Immersive Promise of Becoming [with] the Other Body -- Chapter 4: Body-swapping: Self-attribution and Body Transfer Illusions (BTIs) -- Chapter 5: 'Empathy Activism' & Bodying Difference in Postdigital Culture: Jane Gauntlett's In My Shoes & BeAnotherLab's The Machine to be Another -- Chapter 6: Touching with a Virtualized Hand: Analogue's Transports -- Chapter 7: The Suffering Avatar: Vicarity & Resistance in Body-tracked Multi-player Gaming -- Conclusion: The Theft of the Dragon Sabre: Bodies at Risk in Digital Reality. Tipo de medio : Computadora Summary : This book offers a wide-ranging examination of acts of 'virtual embodiment' in performance/gaming/applied contexts that abstract an immersant's sense of physical selfhood by instating a virtual body, body-part or computer-generated avatar. Emergent 'immersive' practices in an increasingly expanding and cross-disciplinary field are coinciding with a wealth of new scientific knowledge in body-ownership and self-attribution. A growing understanding of the way a body constructs its sense of selfhood is intersecting with the historically persistent desire to make an onto-relational link between the body that 'knows' an experience and bodies that cannot know without occupying their unique point of view. The author argues that the desire to empathize with another's ineffable bodily experiences is finding new expression in contexts of particular urgency. For example, patients wishing to communicate their complex physical experiences to their extended networks of support in healthcare, or communities placing policymakers 'inside' vulnerable, marginalized or disenfranchised virtual bodies in an attempt to prompt personal change. This book is intended for students, academics and practitioner-researchers studying or working in the related fields of immersive theatre/art-making, arts-science and VR in applied performance practices. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...] Immersive Embodiment : Theatres of Mislocalized Sensation [documento electrónico] / Jarvis, Liam, . - 1 ed. . - [s.l.] : Springer, 2019 . - XVII, 255 p. 30 ilustraciones.
ISBN : 978-3-030-27971-4
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Palabras clave: Historia Artes escénicas Teatro Aplicado Teatro y performance contemporáneos Teatro y artes escénicas Clasificación: 792 Resumen: Este libro ofrece un examen amplio de los actos de ''encarnación virtual'' en contextos de actuación/juegos/aplicados que abstraen el sentido de identidad fÃsica de un inmersivo al instalar un cuerpo virtual, una parte del cuerpo o un avatar generado por computadora. Las prácticas ''inmersivas'' emergentes en un campo cada vez más amplio e interdisciplinario coinciden con una gran cantidad de nuevos conocimientos cientÃficos sobre la propiedad del cuerpo y la autoatribución. Una comprensión cada vez mayor de la forma en que un cuerpo construye su sentido de identidad se cruza con el deseo históricamente persistente de establecer un vÃnculo ontorelacional entre el cuerpo que "conoce" una experiencia y los cuerpos que no pueden conocer sin ocupar su punto de vista único. El autor sostiene que el deseo de empatizar con las inefables experiencias corporales de otra persona está encontrando una nueva expresión en contextos de particular urgencia. Por ejemplo, pacientes que desean comunicar sus complejas experiencias fÃsicas a sus redes extendidas de apoyo en atención médica, o comunidades que colocan a los formuladores de polÃticas ''dentro'' de cuerpos virtuales vulnerables, marginados o privados de derechos en un intento de impulsar un cambio personal. Este libro está dirigido a estudiantes, académicos e investigadores profesionales que estudian o trabajan en los campos relacionados del teatro/creación artÃstica inmersiva, las artes y las ciencias y la realidad virtual en prácticas escénicas aplicadas. Nota de contenido: Chapter 1: Introduction -- Chapter 2: Proto-immersive Discourse & the 'Theatrical Condition' -- Chapter 3: The Immersive Promise of Becoming [with] the Other Body -- Chapter 4: Body-swapping: Self-attribution and Body Transfer Illusions (BTIs) -- Chapter 5: 'Empathy Activism' & Bodying Difference in Postdigital Culture: Jane Gauntlett's In My Shoes & BeAnotherLab's The Machine to be Another -- Chapter 6: Touching with a Virtualized Hand: Analogue's Transports -- Chapter 7: The Suffering Avatar: Vicarity & Resistance in Body-tracked Multi-player Gaming -- Conclusion: The Theft of the Dragon Sabre: Bodies at Risk in Digital Reality. Tipo de medio : Computadora Summary : This book offers a wide-ranging examination of acts of 'virtual embodiment' in performance/gaming/applied contexts that abstract an immersant's sense of physical selfhood by instating a virtual body, body-part or computer-generated avatar. Emergent 'immersive' practices in an increasingly expanding and cross-disciplinary field are coinciding with a wealth of new scientific knowledge in body-ownership and self-attribution. A growing understanding of the way a body constructs its sense of selfhood is intersecting with the historically persistent desire to make an onto-relational link between the body that 'knows' an experience and bodies that cannot know without occupying their unique point of view. The author argues that the desire to empathize with another's ineffable bodily experiences is finding new expression in contexts of particular urgency. For example, patients wishing to communicate their complex physical experiences to their extended networks of support in healthcare, or communities placing policymakers 'inside' vulnerable, marginalized or disenfranchised virtual bodies in an attempt to prompt personal change. This book is intended for students, academics and practitioner-researchers studying or working in the related fields of immersive theatre/art-making, arts-science and VR in applied performance practices. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...]
TÃtulo : Storytelling in Participatory Arts with Young People : The Gaps in the Story Tipo de documento: documento electrónico Autores: Heinemeyer, Catherine, Mención de edición: 1 ed. Editorial: [s.l.] : Springer Fecha de publicación: 2020 Número de páginas: IX, 280 p. 19 ilustraciones, 14 ilustraciones en color. ISBN/ISSN/DL: 978-3-030-40581-6 Nota general: Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos. Idioma : Inglés (eng) Palabras clave: Teatro Las artes escénicas Arte Teatro Aplicado Teatro y artes escénicas Creatividad y Educación ArtÃstica Clasificación: 792 Resumen: Este libro, una reflexión detallada y exhaustiva sobre la práctica de la narración participativa, es adecuado para estudiantes, investigadores y profesionales que lo encontrarán como un recurso verdaderamente valioso. La escritura está impregnada de la práctica de la narración con jóvenes y demuestra la profunda y El nivel sostenido de comprensión y conocimiento que esto puede ofrecer, al alejarse de la práctica para examinar las relaciones entre la narración y el teatro, y el teatro aplicado en particular, hace que este libro sea realmente útil para profesores e investigadores en estos campos. El libro contextualiza con éxito el trabajo de narración participativa. con los jóvenes dentro de consideraciones más amplias de la historia y la actuación y las relaciones que se construyen, desafÃan y sostienen mediante los actos de contar y escuchar, creando una nueva y valiosa herramienta para un análisis de la narración en acción". Dra. Alison Jeffers, Universidad de Manchester, Reino Unido Este libro se basa en la experiencia de la autora como narradora, practicante de teatro e investigadora, para articular un enfoque dialógico emergente para la narración de historias en contextos de arte participativo, educación, salud mental, teatro juvenil y trabajo juvenil. Sostiene que la narración oral ofrece un canal rico y muy necesario para el diálogo intergeneracional con los jóvenes. El libro mantiene la teorÃa firmemente ligada a la práctica. La sección 1, ''Conocimiento de historias'', traza la historia de la práctica de la narración oral con adolescentes en diversos contextos y pone de relieve la naturaleza particular del intercambio narrativo y el conocimiento narrativo. La Sección 2, ''Contar historias'', presenta a los lectores algunos de los desafÃos y posibilidades clave de la narración dialógica al reflexionar sobre historias de la propia investigación de la práctica artÃstica del autor con adolescentes, ilustrándolas con las respuestas artÃsticas de los jóvenes a las historias. Finalmente, la sección 3, ''Brechas en la historia'', conceptualiza la narración dialógica explorando tres ''brechas'' diferentes: la brecha entre el narrador y el oyente, las brechas en la historia y las brechas que los narradores pueden abrir dentro de las instituciones. El libro incluye capÃtulos que se centran especialmente en la narración de historias en las escuelas y en entornos de salud mental, asà como reflexiones guiadas para que los lectores relacionen las cuestiones planteadas con su propia práctica. Nota de contenido: 1. Introduction -- 2. Storyknowing and Education -- 3. Chronotypes of Storytelling with Young People -- 4. Intermezzo the First: A Manifesto of Dialogic Storytelling with Young People -- 5. The Space between Tellers and Listeners -- 6. The Territory of Story -- 7. Dialogic Storytelling Fora -- 8. Intermezzo the Second: The Intertidal Zone -- 9. Mapping the Space Between -- 10. Defining the Territory of Story -- 11. Spaces for Storytelling.-. Tipo de medio : Computadora Summary : "A detailed and thorough reflection on the practice of participatory storytelling, this book is suitable for students, researchers, and practitioners who will find it a truly valuable resource. The writing is steeped in the practice of storytelling with young people and demonstrates the deep and sustained level of understanding and knowledge that this can offer. Stepping back from practice to examine the relationships between storytelling and theatre, and applied theatre in particular, makes this book really useful to teachers and researchers in these fields. The book successfully contextualises participatory storytelling work with young people within broader considerations of story and performance and the relationships that are constructed, challenged, and sustained by the acts of telling and listening, creating a valuable new tool for an analysis of storytelling in action." Dr Alison Jeffers, University of Manchester, UK This book draws on the author's experience as a storyteller, drama practitioner and researcher, to articulate an emerging dialogic approach to storytelling in participatory arts, educational, mental health, youth theatre, and youth work contexts. It argues that oral storytelling offers a rich and much-needed channel for intergenerational dialogue with young people. The book keeps theory firmly tethered to practice. Section 1, 'Storyknowing', traces the history of oral storytelling practice with adolescents across diverse contexts, and brings into clear focus the particular nature of the storytelling exchange and narrative knowledge. Section 2, 'Telling Stories', introduces readers to some of the key challenges and possibilities of dialogic storytelling by reflecting on stories from the author's own arts-based practice research with adolescents, illustrating these with young people's artistic responses to stories. Finally, section 3, 'Story Gaps', conceptualises dialogic storytelling by exploring three different 'gaps': the gap between storyteller and listener, the gaps in the story, and the gaps which storytellers can open up within institutions. The book includes chapters taking a special focus on storytelling in schools and in mental health settings, as well as guided reflections for readers to relate the issues raised to their own practice. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...] Storytelling in Participatory Arts with Young People : The Gaps in the Story [documento electrónico] / Heinemeyer, Catherine, . - 1 ed. . - [s.l.] : Springer, 2020 . - IX, 280 p. 19 ilustraciones, 14 ilustraciones en color.
ISBN : 978-3-030-40581-6
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Palabras clave: Teatro Las artes escénicas Arte Teatro Aplicado Teatro y artes escénicas Creatividad y Educación ArtÃstica Clasificación: 792 Resumen: Este libro, una reflexión detallada y exhaustiva sobre la práctica de la narración participativa, es adecuado para estudiantes, investigadores y profesionales que lo encontrarán como un recurso verdaderamente valioso. La escritura está impregnada de la práctica de la narración con jóvenes y demuestra la profunda y El nivel sostenido de comprensión y conocimiento que esto puede ofrecer, al alejarse de la práctica para examinar las relaciones entre la narración y el teatro, y el teatro aplicado en particular, hace que este libro sea realmente útil para profesores e investigadores en estos campos. El libro contextualiza con éxito el trabajo de narración participativa. con los jóvenes dentro de consideraciones más amplias de la historia y la actuación y las relaciones que se construyen, desafÃan y sostienen mediante los actos de contar y escuchar, creando una nueva y valiosa herramienta para un análisis de la narración en acción". Dra. Alison Jeffers, Universidad de Manchester, Reino Unido Este libro se basa en la experiencia de la autora como narradora, practicante de teatro e investigadora, para articular un enfoque dialógico emergente para la narración de historias en contextos de arte participativo, educación, salud mental, teatro juvenil y trabajo juvenil. Sostiene que la narración oral ofrece un canal rico y muy necesario para el diálogo intergeneracional con los jóvenes. El libro mantiene la teorÃa firmemente ligada a la práctica. La sección 1, ''Conocimiento de historias'', traza la historia de la práctica de la narración oral con adolescentes en diversos contextos y pone de relieve la naturaleza particular del intercambio narrativo y el conocimiento narrativo. La Sección 2, ''Contar historias'', presenta a los lectores algunos de los desafÃos y posibilidades clave de la narración dialógica al reflexionar sobre historias de la propia investigación de la práctica artÃstica del autor con adolescentes, ilustrándolas con las respuestas artÃsticas de los jóvenes a las historias. Finalmente, la sección 3, ''Brechas en la historia'', conceptualiza la narración dialógica explorando tres ''brechas'' diferentes: la brecha entre el narrador y el oyente, las brechas en la historia y las brechas que los narradores pueden abrir dentro de las instituciones. El libro incluye capÃtulos que se centran especialmente en la narración de historias en las escuelas y en entornos de salud mental, asà como reflexiones guiadas para que los lectores relacionen las cuestiones planteadas con su propia práctica. Nota de contenido: 1. Introduction -- 2. Storyknowing and Education -- 3. Chronotypes of Storytelling with Young People -- 4. Intermezzo the First: A Manifesto of Dialogic Storytelling with Young People -- 5. The Space between Tellers and Listeners -- 6. The Territory of Story -- 7. Dialogic Storytelling Fora -- 8. Intermezzo the Second: The Intertidal Zone -- 9. Mapping the Space Between -- 10. Defining the Territory of Story -- 11. Spaces for Storytelling.-. Tipo de medio : Computadora Summary : "A detailed and thorough reflection on the practice of participatory storytelling, this book is suitable for students, researchers, and practitioners who will find it a truly valuable resource. The writing is steeped in the practice of storytelling with young people and demonstrates the deep and sustained level of understanding and knowledge that this can offer. Stepping back from practice to examine the relationships between storytelling and theatre, and applied theatre in particular, makes this book really useful to teachers and researchers in these fields. The book successfully contextualises participatory storytelling work with young people within broader considerations of story and performance and the relationships that are constructed, challenged, and sustained by the acts of telling and listening, creating a valuable new tool for an analysis of storytelling in action." Dr Alison Jeffers, University of Manchester, UK This book draws on the author's experience as a storyteller, drama practitioner and researcher, to articulate an emerging dialogic approach to storytelling in participatory arts, educational, mental health, youth theatre, and youth work contexts. It argues that oral storytelling offers a rich and much-needed channel for intergenerational dialogue with young people. The book keeps theory firmly tethered to practice. Section 1, 'Storyknowing', traces the history of oral storytelling practice with adolescents across diverse contexts, and brings into clear focus the particular nature of the storytelling exchange and narrative knowledge. Section 2, 'Telling Stories', introduces readers to some of the key challenges and possibilities of dialogic storytelling by reflecting on stories from the author's own arts-based practice research with adolescents, illustrating these with young people's artistic responses to stories. Finally, section 3, 'Story Gaps', conceptualises dialogic storytelling by exploring three different 'gaps': the gap between storyteller and listener, the gaps in the story, and the gaps which storytellers can open up within institutions. The book includes chapters taking a special focus on storytelling in schools and in mental health settings, as well as guided reflections for readers to relate the issues raised to their own practice. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...]
TÃtulo : The Applied Theatre Artist : Responsivity and Expertise in Practice Tipo de documento: documento electrónico Autores: Hepplewhite, Kay, Mención de edición: 1 ed. Editorial: [s.l.] : Springer Fecha de publicación: 2020 Número de páginas: X, 229 p. ISBN/ISSN/DL: 978-3-030-47268-9 Nota general: Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos. Idioma : Inglés (eng) Palabras clave: Teatro Actores Las artes escénicas Teatro Aplicado Artistas y practicantes Teatro y artes escénicas Clasificación: 792 Resumen: Este libro analiza el trabajo de los profesionales del teatro aplicado utilizando un nuevo marco de "responsividad" para hacer visible su experiencia única. La investigación en profundidad de la práctica se combina con la teorización para proporcionar una visión nueva del trabajo de los artistas y facilitadores. Los estudios de caso se extraen de contextos comunitarios: mujeres, usuarios de servicios de salud mental, refugiados, adultos con problemas de aprendizaje, personas mayores bajo cuidado y jóvenes en la escuela. Las habilidades y cualidades comunes reciben un vocabulario para ayudar a definir el trabajo teatral aplicado, como conciencia, anticipación, adaptación, sintonÃa y capacidad de respuesta. El Artista de Teatro Aplicado es de interés académico, práctico y educativo. El libro ofrece un análisis detallado de cómo los artistas teatrales expertos toman decisiones en acción dentro de proyectos participativos socialmente comprometidos. Una rica descripción de la actividad durante la sesión revela qué hacen realmente los facilitadores del taller y cómo piensan, ofreciendo un enfoque poco común en el teatro aplicado. Nota de contenido: Chapter 1: Introducing Responsivity and the Applied Theatre Practitioner -- Chapter 2: The Applied Theatre Artist as responsive educator: Grafted expertise and a search for the 'golden nugget' -- Chapter 3: The Applied Theatre Artist as responsive activist: The personal is political in a feminist approach -- Chapter 4: The Applied Theatre Artist as responsive clown: A 'beautiful mistake' in learning disabled theatre -- Chapter 5: The Applied Theatre Artist as responsive dialogue: The art of doing less in a creative aging project -- Chapter 6: The Applied Theatre Artist as responsive performer: Defining the role in work with young people -- Chapter 7: Responsivity and the development of Applied Theatre Practitioner -- . Tipo de medio : Computadora Summary : This book analyses the work of applied theatre practitioners using a new framework of 'responsivity' to make visible their unique expertise. In-depth investigation of practice combines with theorisation to provide a fresh view of the work of artists and facilitators. Case studies are drawn from community contexts: with women, mental health service users, refugees, adults with a learning disability, older people in care, and young people in school. Common skills and qualities are given a vocabulary to help define applied theatre work, such as awareness, anticipation, adaptation, attunement, and responsiveness. The Applied Theatre Artist is of scholarly, practical, and educational interest. The book offers detailed analysis of how skilled theatre artists make in-action decisions within socially engaged participatory projects. Rich description of in-session activity reveals what workshop facilitators actually do and how they think, offeringa rare focus in applied theatre. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...] The Applied Theatre Artist : Responsivity and Expertise in Practice [documento electrónico] / Hepplewhite, Kay, . - 1 ed. . - [s.l.] : Springer, 2020 . - X, 229 p.
ISBN : 978-3-030-47268-9
Libro disponible en la plataforma SpringerLink. Descarga y lectura en formatos PDF, HTML y ePub. Descarga completa o por capítulos.
Idioma : Inglés (eng)
Palabras clave: Teatro Actores Las artes escénicas Teatro Aplicado Artistas y practicantes Teatro y artes escénicas Clasificación: 792 Resumen: Este libro analiza el trabajo de los profesionales del teatro aplicado utilizando un nuevo marco de "responsividad" para hacer visible su experiencia única. La investigación en profundidad de la práctica se combina con la teorización para proporcionar una visión nueva del trabajo de los artistas y facilitadores. Los estudios de caso se extraen de contextos comunitarios: mujeres, usuarios de servicios de salud mental, refugiados, adultos con problemas de aprendizaje, personas mayores bajo cuidado y jóvenes en la escuela. Las habilidades y cualidades comunes reciben un vocabulario para ayudar a definir el trabajo teatral aplicado, como conciencia, anticipación, adaptación, sintonÃa y capacidad de respuesta. El Artista de Teatro Aplicado es de interés académico, práctico y educativo. El libro ofrece un análisis detallado de cómo los artistas teatrales expertos toman decisiones en acción dentro de proyectos participativos socialmente comprometidos. Una rica descripción de la actividad durante la sesión revela qué hacen realmente los facilitadores del taller y cómo piensan, ofreciendo un enfoque poco común en el teatro aplicado. Nota de contenido: Chapter 1: Introducing Responsivity and the Applied Theatre Practitioner -- Chapter 2: The Applied Theatre Artist as responsive educator: Grafted expertise and a search for the 'golden nugget' -- Chapter 3: The Applied Theatre Artist as responsive activist: The personal is political in a feminist approach -- Chapter 4: The Applied Theatre Artist as responsive clown: A 'beautiful mistake' in learning disabled theatre -- Chapter 5: The Applied Theatre Artist as responsive dialogue: The art of doing less in a creative aging project -- Chapter 6: The Applied Theatre Artist as responsive performer: Defining the role in work with young people -- Chapter 7: Responsivity and the development of Applied Theatre Practitioner -- . Tipo de medio : Computadora Summary : This book analyses the work of applied theatre practitioners using a new framework of 'responsivity' to make visible their unique expertise. In-depth investigation of practice combines with theorisation to provide a fresh view of the work of artists and facilitators. Case studies are drawn from community contexts: with women, mental health service users, refugees, adults with a learning disability, older people in care, and young people in school. Common skills and qualities are given a vocabulary to help define applied theatre work, such as awareness, anticipation, adaptation, attunement, and responsiveness. The Applied Theatre Artist is of scholarly, practical, and educational interest. The book offers detailed analysis of how skilled theatre artists make in-action decisions within socially engaged participatory projects. Rich description of in-session activity reveals what workshop facilitators actually do and how they think, offeringa rare focus in applied theatre. Enlace de acceso : https://link-springer-com.biblioproxy.umanizales.edu.co/referencework/10.1007/97 [...]
